サントラ作曲家として生き残る！「器用貧乏」を脱するブランディング戦略

「どんなジャンルの曲も80点で納品できるのに、なかなか次の仕事に繋がらない」
「自分の曲には『これ！』という特徴がない気がする」

劇伴作家（サウンドトラック作曲家）を目指す中で、ある程度曲が作れるようになった人が必ずぶつかる壁。それが「作家性（Artist Identity）」の欠如です。

AIがBGMを自動生成できるようになった現代において、ただ「クオリティが高い」だけの音楽はコモディティ化（ありふれたもの）しつつあります。プロとして指名され続けるためには、「あなたでなければならない理由」が必要です。

この記事では、トップランナーたちの作風分析を通じて、その他大勢の作曲家から抜け出し、独自のポジションを築くための「ブランディング戦略」について解説します。

「便利屋」で終わるか、「指名」されるか

制作現場において、作曲家は大きく2つのタイプに分類されます。

1. 便利屋タイプ：「〇〇風の曲」と言われれば何でも作れるが、名前を覚えられない。
2. アーティストタイプ：「このシーンにはあの人の音が欲しい」と指名でオファーが来る。

駆け出しの頃は①のスキルも重要ですが、キャリアを長く続けるためには②へのシフトが不可欠です。ハンス・ジマーなら重厚なサウンドスケープ、久石譲ならミニマルなピアノと美しい旋律、澤野弘之ならボーカル楽曲と攻撃的なドラム。彼らの名前を聞いた瞬間に「音」が脳内で再生されることこそが、最強のブランディングなのです。

「好き」×「得意」の掛け算で武器を作る

では、どうやって自分だけの「作家性」を見つければ良いのでしょうか。
それは、ゼロから新しいものを生み出すことではなく、既存の要素の「独自の組み合わせ」を見つける作業です。

ジャンルを越境する

例えば、「オーケストラ」だけならライバルは五万といます。しかし、「オーケストラ × 8bitゲーム音源」や「民族楽器 × 最先端テクノ」のように、異なるジャンルを掛け合わせることで、唯一無二のサウンドが生まれます。

自分が心から好きなジャンルや、ルーツとなっている音楽を深掘りし、それを劇伴というフォーマットにどう落とし込むか。この実験の繰り返しが、やがてあなたの「シグネチャーサウンド（署名代わりの音）」になります。

「あえてやらないこと」を決める勇気

ブランディングとは、何でもできるとアピールすることではなく、「何をやらないか」を明確にすることでもあります。

「ギターの入っていない曲は作らない」「メジャーコードは使わない」といった極端な制約（ルール）を自分に課すことで、作風に強烈な統一感が生まれます。聴き手に対して「この人はこういう音の人だ」という認知を植え付けるためには、八方美人をやめる勇気も必要なのです。

基礎があるからこそ「型破り」ができる

ただし、勘違いしてはいけないのが「個性＝好き勝手にやること」ではないという点です。
プロの劇伴作家たちは、徹底的な音楽理論（和声法、対位法、管弦楽法）の基礎を持った上で、あえてそれを崩したり、独自の解釈を加えたりしています。

基礎のない個性はただの「デタラメ」ですが、基礎の上に成り立つ個性は「芸術」になります。

JBG音楽院では、音大レベルのアカデミックな理論を体系的に学ぶことができます。これは、型にハマるためではなく、「型を破るための土台」を作るためです。さらに、現役のプロ講師から客観的なフィードバックを受けることで、自分では気づけなかった「あなたの強み」を発見するきっかけにもなるでしょう。

「誰か」のコピーで終わるのではなく、「あなた」というジャンルを確立するために。まずは確かな基礎力というパスポートを手に入れましょう。

まとめ

サントラ作曲家として生き残る鍵は、技術力の上に積み上げた「作家性」にあります。

• 「便利屋」を卒業し、指名される「アーティスト」を目指す。
• 異なるジャンルを掛け合わせて、独自のシグネチャーサウンドを作る。
• 「やらないこと」を決めて、作風のエッジを立てる。

あなたの音楽が、誰かの人生のサウンドトラックになる。そんな未来を手繰り寄せるために、自分だけの旗を掲げましょう。

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