アニメ劇伴作家になるには？「分かりやすさ」が命の作曲術

「自分の作る曲は、どうしてもBGMとして地味で、アニメの絵に負けてしまう」
「日常曲やコミカルな曲を作ろうとしても、ありきたりなパターンしか思いつかない」

アニメのサウンドトラック（劇伴）作曲家を目指す中で、実写映画やドラマの音楽とは違う、独特の「難しさ」を感じていませんか？

実は、アニメ音楽において最も重要な要素は、繊細な芸術性よりも「記号的な分かりやすさ（デフォルメ）」にあります。2次元の絵に合わせて感情や状況を説明するためには、音楽もまた、キャラクターのようにキャラ立ちしていなければならないのです。

この記事では、アニメ劇伴特有の「誇張する作曲テクニック」と、戦闘曲から日常曲までを書き分けるための思考法について解説します。

繊細さより「記号」！アニメ音楽特有の誇張表現

実写ドラマの劇伴では、役者の演技を邪魔しないよう「引き算」の美学が求められることが多いですが、アニメ劇伴はその逆。「足し算」の発想が必要です。

アニメは絵の情報量が実写より少ないため、音楽が積極的に「今は楽しいシーンです！」「ここは絶体絶命のピンチです！」と主張して補完する必要があります。

「お約束」を使いこなす技術

視聴者が共通して持っている「音のイメージ（記号）」を、あえてストレートに使うことがプロの技術です。

• ドジっ子・コミカル：木琴（シロフォン）の半音階や、トロンボーンの間の抜けたグリッサンド。
• 学園の朝・爽やか：ピアノの高音連打や、アコースティックギターの軽快なカッティング。
• 悪の組織・恐怖：低音ブラスの不協和音や、クワイア（合唱）による重厚感。

「ベタすぎるかな？」と躊躇するくらいの表現が、アニメの画にはちょうど良くハマります。独学で悩んでいる方は、まずこの「ジャンルの型」を徹底的に模倣することから始めましょう。

「キャラソン」的思考で作るテーマ曲

アニメ劇伴には、キャラクターの性格を音で表現する「キャラクターテーマ」が付きものです。

ここで役立つのが、歌モノの「キャラクターソング」を作る時のような思考法です。「このキャラは熱血だから、歪んだエレキギターが主役」「このキャラはミステリアスだから、あえてメロディを動かさずシンセのシーケンスで表現する」といったように、楽器＝キャラクターの声として配役（キャスティング）していきます。

音楽理論的に正しいかどうかよりも、「そのキャラらしいかどうか」が正解の基準になるのが、このジャンルの面白いところです。

燃える「戦闘曲」の方程式

アニメの花形である「バトル曲」。ここでも、ただ激しければ良いわけではありません。

近年のトレンドは、ロック、オーケストラ、EDMを融合させたハイブリッドなサウンドです。しかし、闇雲に混ぜるだけでは音が濁るだけです。

「キメ」と「BPM」で演出する

戦闘シーンのアクションに合わせて編集しやすいよう、明確な「キメ（楽器全員で同じリズムを叩く）」を多用したり、カット割りのスピード感に負けない速いBPM（160〜190など）を設定したりします。

また、必殺技のシーンでカタルシスを感じさせるために、あえてシンプルな「王道進行（F-G-Em-Amなど）」をサビに持ってくるなど、視聴者の感情曲線を計算した構成力が求められます。

「なんでも屋」が最強？ジャンルを横断する応用力

1クールのアニメ作品では、およそ40〜50曲のBGMが必要になります。その中には、オーケストラもあれば、テクノ、ジャズ、民族音楽まで、ありとあらゆるジャンルが含まれます。

つまり、アニメ劇伴作家としてプロになるためには、「特定のジャンルしか作れない」という状態が一番のリスクになります。

JBG音楽院では、クラシックの和声法から、ジャズの理論、最新のクラブミュージックの制作手法まで、ジャンルを横断して体系的に学ぶことができます。「ワンパターンな曲しか作れない」という壁を突破するには、手持ちのカード（音楽的引き出し）を理論的に増やすしかありません。

あらゆるオーダーに対して「それなら、この引き出しを使えば解決できる」と即答できるプロフェッショナルを、私たちと一緒に目指しませんか？

まとめ

アニメ劇伴作家への道は、自分の作家性を磨くと同時に、エンターテインメントとしての「分かりやすさ」を追求する道のりです。

• 実写よりも「誇張」した表現で、シーンの感情を補完する。
• 楽器をキャラクターに見立てて、性格を音で表現する。
• あらゆるジャンルに対応できるよう、基礎となる音楽理論を固める。

あなたの音楽が、大好きなキャラクターや物語の一部として世界中に届く。そんな未来を実現するために、まずは確かな基礎力という武器を手に入れてください。

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