なぜ音楽スクールは楽器演奏を重視する？「本物の制作」を目指す指導哲学とは

「DTM（Desktop Music）スクールに通おうと思ったら、楽器の練習もカリキュラムに含まれていて驚いた」「パソコンだけで曲を作りたいのに、なぜ今さら楽器を弾く必要があるの？」

DAW（作曲ソフト）の進化により、楽器が弾けなくても高品質な音楽制作が可能になった現代。しかし、多くの本格的な音楽スクール、特にプロを目指す人々を対象とした教育機関では、依然として「楽器演奏スキルの習得」を強く推奨しています。

これは単なる伝統や懐古主義ではありません。デジタルとアナログを統合した先にこそ、聴く人の心を揺さぶる「本物の音楽制作」があると確信しているからです。今回は、なぜ音楽スクールが楽器演奏を重視するのか、その背後にある指導哲学と、そこから得られる圧倒的なメリットについて解説します。

「入力作業」と「音楽表現」の決定的な違い

DTMにおいて、マウスで音符を配置する作業は、極論すれば「データの入力」です。正確無比なリズムと音程を作ることはできますが、そこには「ゆらぎ」や「呼吸」といった、人間特有の生体反応が含まれていません。

身体を通して理解する「グルーヴ」

楽器を演奏するということは、リズムを身体で感じ、指先の微細な力加減で音色をコントロールするということです。

例えば、ドラムの「キック」と「スネア」の間にある絶妙なタイムラグ（グルーヴ）や、ピアノの鍵盤を強く叩いた時の弦の共鳴。これらを身体知として持っている人は、DTMで打ち込みをする際も、無意識のうちに「人間味のあるデータ」を作ることができます。

「ここは少し走らせよう」「ここはもっと粘るように」といった感覚は、画面上の波形を見ているだけでは決して養われないものです。

デジタルとアナログの融合（DTAM）がもたらす化学反応

JBG音楽院では、「DTAM（Desktop and Analog Music）」という独自の指導哲学を掲げています。

これは、DAWを中心としたデジタル技術と、アナログ楽器の演奏・録音技術の双方を重視し、統合する考え方です。「どちらか」ではなく「どちらも」学ぶことで、互いの長所を最大限に引き出すことができます。

• デジタルの強み：編集の自由度、音色の多様性、修正の容易さ。
• アナログの強み：一回性の表現、感情のダイレクトな反映、空気感。

例えば、リズムトラックはDTMで緻密に構築し、その上に自ら演奏したギターやピアノを重ねる。あるいは、生演奏のデータをDAWで大胆にエディットして新しいサウンドを作る。このハイブリッドな制作スタイルこそが、現代の音楽シーンで求められる「高品質かつ独創的な作品」を生み出す鍵となります。

「本物の制作」とは、自分自身を楽器にすること

最終的に、音楽を作るのはパソコンではなく「あなた自身」です。

楽器演奏のトレーニングは、あなたの耳を鍛え、リズム感を養い、内なるイメージを即座に音にするための「回路」を脳内に作ります。いわば、あなた自身の身体を「最高の音楽制作ツール」へと進化させるプロセスなのです。

ツール（DAW）に使われるのではなく、ツールを使いこなし、さらに自身の身体性をも表現の一部として取り込む。これこそが、JBG音楽院が目指す「本物の制作」の姿です。

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まとめ：遠回りに見える道こそが、プロへの最短ルート

今回は、音楽スクールが楽器演奏を重視する理由について解説しました。

• 身体的なグルーヴ感をDTMにフィードバックする。
• デジタルとアナログの融合（DTAM）で表現の幅を広げる。
• クリエイター自身の基礎能力（耳・リズム・感性）を高める。

「クリック一つで作曲完結」という手軽さは魅力的ですが、そこから一歩踏み出し、楽器というフィジカルな要素を取り入れることで、あなたの音楽は間違いなく「深み」を増します。一生モノのスキルを手に入れるために、ぜひ楽器演奏にも挑戦してみてください。

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