劇伴オーケストレーションの鉄則！独学の限界を超える「配置と理論」

2026.01.04

劇伴オーケストレーションの鉄則！独学の限界を超える「配置と理論」

「頭の中では壮大なオーケストラが鳴っているのに、DAWに打ち込むとなぜか安っぽくなる」
「音を重ねれば重ねるほど、ミックスが濁って迫力がなくなる」

劇伴制作やオーケストラアレンジに挑戦する中で、このような「脳内イメージと現実の出力の乖離」に悩んでいませんか？

昨今は優秀なオーケストラ音源が増え、鍵盤を指一本押すだけで映画のようなサウンドが出る時代です。しかし、それゆえに「本当のオーケストレーション（管弦楽法）」の基礎を知らないまま制作を進め、壁にぶつかる方が後を絶ちません。

良い音源を使っているのにクオリティが上がらない原因。それはEQやコンプレッサーの設定ではなく、譜面上の「楽器の配置（ボイシング）」にあります。

この記事では、独学では気づきにくいオーケストレーションの「構造的な鉄則」について解説します。感覚頼りの打ち込みから脱却し、説得力のある劇伴を作るための第一歩を踏み出しましょう。

その「濁り」の原因は？周波数帯域の交通整理

オーケストラアレンジで最も多い失敗が、低音域から中音域にかけての「過密状態」です。

「迫力を出したい」と焦るあまり、チェロ、コントラバス、トロンボーン、ピアノの左手、シンセベースを一斉に同じ帯域で鳴らしていませんか？これは、狭い道路に大型トラックを何台も並走させるようなものです。

「ロー・インターバル・リミット」を意識する

音楽理論には「ロー・インターバル・リミット（Low Interval Limit）」という概念があります。これは、「これ以上低い音域で和音（インターバル）を鳴らすと、音が濁って聞こえる限界点」のことです。

例えば、ピアノの低音部で「ド」と「ミ」を同時に弾くと、音が唸って汚く聞こえますよね。オーケストラ全体でもこれと同じことが起きます。

低音域：オクターブや5度など、シンプルな積み重ねにする（開放的な配置）。
中高音域：3度や7度など、密度の高い和音を配置する（密集的な配置）。

このピラミッド構造（下が広く、上が密）を意識するだけで、EQで削らなくても、驚くほど抜けの良いサウンドに変わります。

「厚み」と「音量」は違う！ボイシングの魔術

DTM上のフェーダーを上げても「迫力」は出ません。本当の厚みとは、適切なボイシング（和音の構成音の配置）によって生まれます。

シンセパッドの感覚を捨てる

キーボード出身の方が陥りやすいのが、「右手でジャーン」とコードを弾いて、それをそのままストリングス音源に流し込むパターンです。これを「ベタ打ち」と呼びますが、実際のオーケストラでは、バイオリン、ビオラ、チェロがそれぞれ独立した美しいライン（旋律）を奏でた結果として、一つの和音が響いています。

「コード（和音）」として捉えるのではなく、「複数の旋律の集合体」として捉えること。これが、劇伴特有のドラマチックな響きを作る鍵です。

楽器の特性を知る「適材適所」

また、各楽器には「最もおいしい音域」と「苦手な音域」があります。

フルート：低音域は柔らかく空気感があるが、他の楽器に埋もれやすい。
ホルン：中音域での和音は、オーケストラ全体の「接着剤」として最強の役割を果たす。
オーボエ：独特の倍音成分があり、ユニゾン（同じ旋律）に混ぜるだけで輪郭がはっきりする。

こうした楽器ごとの「性格」や「役割」を体系的に理解することで、どの楽器をどう組み合わせれば狙った感情表現ができるかが、論理的に導き出せるようになります。

プロの現場で通用する「基礎体力」をつける

今回ご紹介した内容は、オーケストレーションの入り口に過ぎません。
実際のプロの現場では、これら理論を瞬時に応用し、映像の尺や監督の意図に合わせて、感情を揺さぶるサウンドを構築するスピードが求められます。

「独学でやってきたけれど、何が正解かわからない」「基礎からやり直して、地盤を固めたい」。そう感じているなら、一度体系的なカリキュラムに触れてみることが、プロへの最短ルートです。

JBG音楽院では、感覚派の方こそ知ってほしい「理論の裏付け」から、DAWを使った実践的なアウトプットまで、段階的にスキルを積み上げることができます。特にMAIN3クラス以降では、学んだオーケストレーション理論を、いかにして「リアルな打ち込み」に落とし込むか、プロの作曲家から直接指導を受けることが可能です。

「なんとなく」で作るのをやめて、意図を持って音を配置できるようになれば、あなたの作る音楽は劇的に変わります。

JBG音楽院のカリキュラムを見る