有名作曲家たちの耳コピ体験談：彼らはどうやって「聴く力」を磨いたのか？

「自分には絶対音感がないから、プロのような曲は作れない」「作曲は生まれ持った才能で決まるものだ」

作曲やDTMに取り組む中で、そんな風に感じて自信をなくしてしまうことはありませんか？しかし、歴史に名を残す偉大な作曲家や、現在第一線で活躍するプロデューサーたちが、最初から魔法のように曲を作れたわけではありません。

実は、彼らの多くはキャリアの初期段階で、狂気とも言えるほどの「模倣（耳コピ）」を行っていました。既存の音楽を徹底的に聴き込み、分析し、自分の手で再現する。この地道なプロセスの積み重ねこそが、独自のオリジナリティを生み出す源泉となっています。

この記事では、有名作曲家たちがどのようにして「聴く力」を磨いてきたのか、具体的なエピソードや学習のアプローチを紹介します。彼らの足跡を知ることは、独学の壁を突破するための大きなヒントになるはずです。

「学ぶ」の語源は「真似ぶ（まねぶ）」にある

音楽に限らず、あらゆる芸術において「模倣」は学習の基本です。しかし、プロが実践している模倣は、単にメロディをなぞるだけのものではありません。

彼らは耳コピを通じて、先人たちの「思考回路」をトレースしています。「なぜここで転調したのか？」「なぜこの楽器を選んだのか？」という作曲者の意図を、音を通じて追体験しているのです。

JBG音楽院が提唱する「DTAM（Desktop and Analog Music）」の考え方もここに通じます。DAWというデジタルツールを使う現代だからこそ、先人たちがアナログな環境で培ってきた「聴く力」や「構造を理解する力」を取り入れることが、周りと差をつける鍵となります。

エピソード1：楽譜を書き写して構造を学んだクラシックの巨匠たち

まずは、音楽の基礎を築いたクラシックの巨匠たちの例を見てみましょう。彼らは録音機材のない時代、どのようにして先人の技を盗んだのでしょうか。

バッハやモーツァルトの「手書きコピー」

音楽の父と呼ばれるバッハや、神童モーツァルトでさえ、若い頃は先輩作曲家の楽譜をひたすら手書きで書き写す（写譜）修行を行っていたと言われています。

当時の楽譜は貴重品であり、手に入れることすら困難でした。彼らは借用した楽譜を夜な夜な書き写すことで、「対位法」や「和声の進行」を目と手と耳で身体に叩き込みました。これは現代で言えば、DAW上でプロの楽曲のMIDIデータを一音一音打ち込み直す作業と同じです。

「目で見て構造を知り、音を出して確認する」。この泥臭い作業こそが、天才たちの基礎を支えていたのです。

エピソード2：レコードを擦り切れるまで聴いたロックレジェンド

時代は進み、録音技術が登場すると、耳コピの方法も変化しました。

「絶対音感」を持たなかったビートルズ

20世紀最高のバンドと言われるビートルズのメンバーは、楽譜が読めなかったという話は有名です。もちろん、彼らには絶対音感もありませんでした。

では、どうやってあの複雑で美しいコード進行を習得したのでしょうか？彼らはアメリカから届いたR&Bやロックンロールのレコードを、擦り切れるほど繰り返し聴き、ギターとピアノで音を探り当てていたのです。

「この響きはカッコいいけど、どう押さえるんだ？」と試行錯誤する中で、彼らは音楽理論書には載っていないような斬新なコードワークや、独自のハーモニー感覚を養っていきました。これは、「相対音感（音と音の関係性を探る力）」を極限まで高めた結果と言えるでしょう。

エピソード3：波形を「視覚」で分析する現代のトッププロ

そして現在、DTMが主流となった音楽シーンにおいて、プロたちはどのように耳コピを行っているのでしょうか。

「聴く」だけでなく「見る」分析

多くの一流トラックメイカーやエンジニアは、リファレンス（手本）となる楽曲をDAWに取り込み、その「波形」を観察しています。

• リズムの揺らぎを見る：キックとベースのタイミングが、グリッドに対してどのようにズレているか。
• 周波数分布を見る：スペクトラムアナライザーを使い、どの帯域が出ていて、どこが削られているか。

現代の耳コピは、耳だけでなく「目（視覚情報）」も使うことで、より緻密なサウンドメイクの秘密を解き明かしています。アナログな聴覚とデジタルな視覚を組み合わせるこの手法は、まさに現代ならではの効率的な学習法です。

有名作曲家たちが共通して持っていた「マインド」

時代やジャンルは違っても、成功した音楽家たちの耳コピには共通点があります。

1. 「完コピ」にこだわらない柔軟性

彼らは100%完璧に再現することだけを目的にしてはいませんでした。「なぜこの進行が気持ちいいのか？」というエッセンス（本質）を抽出することに重きを置いています。構造さえ理解できれば、それを自分の曲に応用できるからです。

2. 圧倒的な「量」をこなしている

「1曲コピーしたから終わり」ではありません。彼らは数百、数千という楽曲をインプットしています。この圧倒的なインプット量が、いざ自分がアウトプットする際の「引き出しの多さ」に直結します。

JBG音楽院が推奨する「現代版・プロの耳」の育て方

「偉人たちの話はすごすぎて、自分には真似できない…」と感じる必要はありません。彼らがやっていたことは、現代の私たちならもっと効率的に実践できます。

JBG音楽院のカリキュラムでは、以下のようなステップで、プロの思考回路をインストールしていきます。

1. Core（基礎）：音楽理論とソルフェージュで、音の「機能」を理解する耳を作る。（ビートルズ的アプローチの基礎）
2. Main（実践）：既存曲のコード進行やアレンジを分析し、自分の作品に取り入れる。（クラシック的アプローチの現代版）
3. Feedback（修正）：プロの講師が客観的に分析し、ズレを修正する。（独学では得られない視点）

一人で悩む時間を、体系的な学習の時間に変えることで、プロへの道のりはぐっと近づきます。

JBG音楽院のカリキュラムを見る

まとめ：才能ではなく「習慣」が耳を作る

今回は、有名作曲家たちの耳コピ体験談を通じて、彼らがどのようにスキルを磨いたのかを紹介しました。

• クラシックの巨匠：楽譜を書き写し、構造を目と手で覚えた。
• ロックのレジェンド：理論よりも「音の響き」を徹底的に探求した。
• 現代のプロ：DAWを活用し、視覚と聴覚の両方で分析している。

共通しているのは、彼らが「ただ聴き流す」のではなく、「能動的に分析しようとした」という点です。今日から、あなたも好きな曲を聴くときに、「どうやって作られているんだろう？」という探究心を持ってみてください。その小さな意識の変化が、未来のあなたを作曲家へと変えていく第一歩となるはずです。

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